렘브란트의 작품
호이겐스에게 보낸 편지에서, 렘브란트는 그의 예술을 통해 성취하고자 했던 것에 대해 유일하게 살아남은 설명을 했다. "베위겔라이크헤이트"라는 단어는 "감정" 또는 "동기"를 의미한다고 주장되기도 한다. 이것이 물질적이든 아니든 간에, 해석의 여지가 있다; 어느 쪽이든, 비평가들은 렘브란트가 지상과 영성을 매끄럽게 융합하는 방식에 특히 주목했다.20세기 초 감식가들은 렘브란트가 600점 이상의 그림, 거의 400점 이상의 에칭과 2,000점의 드로잉을 제작했다고 주장했다. 1960년대부터 오늘날까지 (렘브란트 연구 프로젝트에 의해 주도된) 더 최근의 학문은 종종 논쟁적으로 그의 작품을 300점 가까운 그림으로 만들었다. 전통적으로 에칭이라고 불리는 그의 판화들은 대부분 판화로 제작되지만, 300점보다 약간 적은 액수를 가지고 있다. 렘브란트가 일생 동안 2,000점보다 훨씬 더 많은 그림을 그렸을 가능성이 있지만, 현존하는 판화는 추정보다 더 희귀하다.두 전문가는 서명 상태가 사실상 "확실한" 것으로 간주될 수 있는 그림의 수가 75개보다 많지 않다고 주장하지만, 이는 논란의 여지가 있다. 이 목록은 2010년 2월 학술회의에서 발표될 예정이었다.한 때 약 90점의 그림이 렘브란트의 자화상으로 간주되었지만, 지금은 그가 수련의 일환으로 그의 학생들에게 자신의 자화상을 베끼게 한 것으로 알려져 있다. 현대 학문에 따르면 이 그룹의 가장 주목할 만한 이미지들이 많이 포함된 몇 점의 그림과 31점의 에칭뿐만 아니라 40점 이상의 그림으로 사인 수를 줄였다. 유사역사적인 화려한 드레스를 입고 포즈를 취하거나 얼굴을 찡그리는 모습도 보인다. 그의 유화는 불확실한 청년으로부터, 1630년대의 멋지고 매우 성공적인 초상화 화가를 거쳐, 그의 노년의 문제지만 엄청나게 강력한 초상화까지의 과정을 추적한다. 그들은 함께 그의 풍성한 풍화 얼굴에서 드러났듯이, 그의 외모와 그의 심리적인 화장에 대한 놀랄 만큼 분명한 그림을 제공한다.그의 초상화와 자화상에서, 그는 거의 항상 밝게 비치는 부분과 그늘진 부분 사이의 경계선을 형성하도록 시터의 얼굴을 비스듬히 기울인다. 렘브란트의 얼굴은 부분적으로 가려진 얼굴이다; 그리고 밝고 분명한 코는 반음계의 수수께끼에 관객의 주의를 집중시키고, 압도적으로 맑은 빛의 홍수와 음침한 황혼 사이의 구분을 극화하는 역할을 한다.렘브란트는 '십자가의 양육', '꿈을 말하는 요셉', '성 스테판의 돌팔매'를 포함한 많은 성경 작품에서 자신을 군중 속의 인물로 그렸다. 더럼은 성경이 렘브란트를 위한 "일기의 일종이며, 그의 삶의 순간들에 대한 설명"이었기 때문이라고 주장한다. 렘브란트의 작품의 더 두드러진 특징 중 하나는 카라바조나 네덜란드 카라바기스티에서 유래한 빛과 그림자의 연극적 사용인 키아로스쿠로의 사용이다. 또한 주목할 만한 것은 그의 동시대인들이 종종 보여주었던 딱딱한 형식과 부와 나이를 불문하고 인류에 대한 깊은 연민이 결여된 그의 드라마틱하고 생생한 주제 발표이다. 그의 직계 가족인 그의 아내 사스키아, 그의 아들 티투스, 그리고 그의 관습법 아내 헨드릭제는 종종 그의 그림에서 두드러지게 나타나는데, 이들 그림들 중 많은 것들은 신화, 성경 또는 역사적 주제를 가지고 있다.
렘브란트 작품의 시기, 테마 및 스타일
렘브란트는 자신의 경력을 통해 초상화, 풍경화, 서사화 등의 주제를 주로 다루었다. 마지막으로, 그는 감정을 표현하는 능력과 세부적인 것에 대한 관심을 가지고 있는 그의 성서 이야기를 해석하는 명수라고 칭송했던 동시대의 사람들로부터 특히 칭찬을 받았다. 스타일적으로, 그의 그림은 착시적 형태를 묘사하는 정교한 기법을 특징으로 하는 초기 "매끄러운" 방식에서 풍부하게 다양한 페인트 표면을 "거친" 방식으로 처리하여 페인트 자체의 촉각적 품질에 의해 제시된 형태의 착시성을 허용했다.렘브란트의 인쇄술에서도 비슷한 발전이 보인다. 특히 1640년대 후반부터 그의 성숙함의 에칭에서, 그의 그림과 그림의 자유와 폭은 인쇄 매체에서도 표현되었다. 작품들은 넓은 범위의 주제와 기술을 포함하며, 때로는 공간을 암시하기 위해 넓은 영역의 백서를 남기고, 다른 때에는 풍부한 어두운 색조를 내기 위해 복잡한 선의 그물을 사용한다.라스트만의 영향이 가장 두드러진 것은 렘브란트의 라이덴 시대(1625–1631)였다. 이 시기에 리에벤스는 그의 작품에도 강한 영향을 미쳤을 가능성이 있다. 그림은 다소 작지만 디테일(예: 의상이나 보석)이 풍부하다. 종교적, 우화적 주제가 선호되었고, 트롤리도 마찬가지였다. 1626년에 렘브란트는 그의 첫 에칭 작품을 제작했는데, 그 에칭의 광범위한 보급은 그의 국제적인 명성을 크게 설명하였다. 1629년 그는 유다 회개, 그의 작업실에서 은 조각과 화가를 돌려주는 일을 완성했고, 그의 작품들은 빛과 다양한 페인트 사용에 대한 그의 관심을 증명했고, 화가로서 그의 발전에 첫 주요 진보를 이루었다.암스테르담을 방문한 초창기(1632년–1636년) 렘브란트는 루벤스의 바로크 양식을 모방하려고 노력하면서, 고대비와 큰 형식의 극적인 성경과 신화 장면을 그리기 시작했다(삼손의 맹목, 1636년 벨샤자르의 축제, 1635년 다나에, 1636년. 우일렌부르크의 작업장에서 조수들의 도움을 받아, 그는 작은 것(Jacob de Gheyn III)과 큰 것(Jan Rijcksen과 그의 아내의 초상, 1633년, Dr.의 해부학 수업) 모두를 그렸다. 니콜라스 툴프, 1632) 1630년대 후반까지 렘브란트는 몇 점의 그림과 많은 풍경화를 에칭했다. 종종 이러한 풍경들은 뿌리째 뽑힌 나무와 불길한 하늘을 특징으로 하는 자연 드라마를 강조했습니다 (폭풍 하늘 앞의 오두막들, c. 1641; The Three Trees, 1643). 1640년부터 그의 작품은 개인적인 비극을 반영하여 덜 활기차고 더 냉정해졌다. 성경의 장면들은 이제 예전처럼 구약성서보다 신약성서에서 더 자주 파생되었다. 1642년 그는 나이트워치를 그렸는데, 이것은 그가 이 시기에 받은 가장 중요한 집단 초상화 위원회들 중 가장 실질적인 것이며, 이를 통해 그는 이전 작품들에서 시도되었던 구성 및 서술적 문제들에 대한 해결책을 찾으려고 노력했다.야경 이후 10년 동안 렘브란트의 그림은 크기, 주제, 스타일이 매우 다양했다. 빛과 그림자의 강한 대비에 의해 극적인 효과를 만들어내는 이전의 경향은 전면 조명과 더 크고 더 포화 된 색 영역의 사용으로 바뀌었다. 동시에 인물들이 그림 평면에 평행하게 배치되었다. 이러한 변화는 고전적인 작곡 방식을 향한 움직임으로 볼 수 있으며, 붓놀림의 보다 표현적인 사용을 고려할 때, 베네치아 미술에 친숙함을 나타낼 수 있다(Susanna and the Elders, 1637–47). 이와 동시에 채색작품이 현저히 감소하여 풍경화의 식각과 회화를 선호하였다. 이러한 그래픽 작품에서 자연 드라마는 결국 조용한 네덜란드의 시골 풍경을 위해 길을 내주었다. 1650년대에 렘브란트의 스타일은 다시 바뀌었다. 색은 더 풍부해졌고 붓놀림은 더 뚜렷해졌다. 이러한 변화와 함께 렘브란트는 이전의 작품과 현재의 패션으로부터 거리를 두게 되었다. 그의 빛의 사용은 더 들쭉날쭉하고 거칠어지며, 빛은 거의 존재하지 않게 된다. 그의 독특한 페인트 적용 접근법은 부분적으로 티치아노의 작품에 대한 친숙함에서 제안되었을 수 있으며, 그림의 '마무리'와 표면 품질에 대한 당시 논의의 맥락에서 볼 수 있다. 당대의 기록들은 때때로 렘브란트의 붓놀림이 조잡하다는 것을 못마땅하게 여기며, 화가 자신이 방문객들이 그의 그림을 너무 가까이 보지 못하도록 만류했다고 한다. 페인트의 촉각 조작은 렌더링의 모방 효과가 그림의 표면에 영향을 미칠 때 중세적 절차에 귀 기울일 수 있다.
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